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  Henri de Toulous Lautrec : Art...

  Patrick Baude

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  Madone, muse ou tentatrice, les femmes ont été une source d'inspiration artistique tout au long de l'histoire. Dans la série Rêveries, Parkstone rend hommage à la contribution importante que les femmes ont apportée aux artistes en élevant leur esprit et en donnant libre cours à leurs fantasmes. Nous vous invitons à partager l'univers de plaisir sensuel de peintres célèbres tels que Degas et Schiele, et maintenant Toulous Lautrec.
  Ce nouveau genre de livre d'art offre un aperçu de la vie privée de certains des artistes les plus influents des temps modernes. La série Rêveries se caractérise par des textes brefs, une mise en page sophistiquée et des reproductions de grande qualité. Chaque titre rend hommage à l'œuvre de l'artiste et les mises en page élégantes incluent des images rarement vues.
  Chaque page bénéficie d'une conception unique et offre un cadre unique à certaines des œuvres les plus sensuelles de ces artistes. Ces publications devraient être considérées comme des œuvres d'art à part entière, un délice pour l'amateur, un enseignement pour le novice, un ajout précieux et bienvenu à toute bibliothèque.

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  Avec les fées

  Sylvain Tesson

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  L’été venait de commencer quand je partis chercher les fées sur la côte atlantique. Je ne crois pas à leur existence. Aucune fille-libellule ne volette en tutu au-dessus des fontaines. C’est dommage : les yeux de l’homme moderne ne captent plus de fantasmagories. Au XIIe siècle, le moindre pâtre cheminait au milieu des fantômes. On vivait dans les visions. Un Belge pâle (et très oublié), Maeterlinck, avait dit : "C’est bien curieux les hommes… Depuis la mort des fées, ils n’y voient plus du tout et ne s’en doutent point." 
  
  Le mot fée signifie autre chose. C’est une qualité du réel révélée par une disposition du regard. Il y a une façon d’attraper le monde et d’y déceler le miracle de l’immémorial et de la perfection. Le reflet revenu du soleil sur la mer, le froissement du vent dans les feuilles d’un hêtre, le sang sur la neige et la rosée perlant sur une fourrure de mustélidé : là sont les fées. 
  
  Elles apparaissent parce qu’on regarde la nature avec déférence. Soudain, un signal. La beauté d’une forme éclate. Je donne le nom de fée à ce jaillissement. 
  
  Les promontoires de la Galice, de la Bretagne, de la Cornouailles, du pays de Galles, de l’île de Man, de l’Irlande et de l’Écosse dessinaient un arc. Par voie de mer j’allais relier les miettes de ce déchiquètement. En équilibre sur cette courbe, on était certain de capter le surgissement du merveilleux. 
  
  Puisque la nuit était tombée sur ce monde de machines et de banquiers, je me donnais trois mois pour essayer d’y voir. Je partais. Avec les fées. 
  
  Pierre Hancisse interprète avec beaucoup de finesse ce beau récit de voyage imprégné d'une infinie poésie.

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  Pieter Bruegel

  Klaus Carl

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  Pieter Bruegel, l'Ancien (près de Breda, 1525 – Bruxelles, 1569)
  Pieter Bruegel fut le premier membre important d'une famille d'artistes, actifs durant quatre générations. D'abord dessinateur avant de devenir peintre, il peignit des thèmes religieux, comme la Tour de Babel, avec des couleurs extrêmement vives. Influencé par Jérôme Bosch, il s'attela à de vastes scènes complexes décrivant la vie paysanne et des allégories bibliques ou spirituelles, souvent peuplées de sujets plongés dans des actions très variées. Pourtant, ces scènes ont en commun une intégrité informelle et un certain humour. A travers son oeuvre, il introduisit un nouvel esprit d'humanité. Ami des humanistes, Bruegel composa de véritables paysages philosophiques au coeur desquels l'Homme accepte passivement son destin, prisonnier du temps qui passe.

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  Qui sont les russes

  Alla Sergueeva

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  Un immense peuple a accédé récemment aux joies de la démocratie capitaliste après des années de communisme. Depuis quinze ans la fameuse âme slave a été soumise a des changements sans précédents. Il était temps de dresser un portrait exhaustif aussi bien des moeurs que de la psychologie des Russes. La première partie de l'ouvrage dresse un tableau précis des nouvelles valeurs du pays (comme le désir de bonheur individuel) et de celles qui perdurent (comme l'amour de la patrie). Nous entrons ensuite dans le détail des règles qui gouvernent le mode de vie des Russes, logement, place de la femme, nouveau consumérisme, relations familiales et humaines. Y a-t-il une psychologie russe et surtout comment communiquer et s'entendre avec eux ? L'analyse de cette dernière question s'avèrera aussi utile aux voyageurs qu'aux hommes d'affaires, qui sans l'assimilation de certains traits « byzantins » pourrait croire, à leurs dépends, que les slaves sont des européens comme les autres alors qu'ils sont empreints « d'irrationnel et de sensualisme oriental ». On découvre un Russe dont « l'individualisme » même reste une affaire de famille. On découvre ainsi sa volonté latente « d'être comme les autres, de ne pas sortir du lot », sa difficulté à distinguer encore « ce qui lui appartient de ce qui ne lui appartient pas », et son habitude d'endurer la vie en escomptant les sacrifices, ce qui mène parfois au phénomène dit « de la grenouille cuite » : « on la cuit à petit feu et elle ne le sent pas ».

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  Michel-Ange

  Eugène Müntz

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  Michel-Ange (Michelangelo Buonarroti) (Caprese, 1475 – Rome, 1564)
  Michel-Ange, comme Léonard de Vinci, avait plusieurs cordes à son arc et était à la fois sculpteur, architecte, peintre et poète. Il porta à leur apothéose le mouvement musculaire et l'effort, équivalents plastiques de la passion, à ses yeux. Il façonna son dessin, le poussant jusqu'aux limites extrêmes des possibilités de son âme tourmentée. Il n'y a aucun paysage dans la peinture de Michel-Ange. Toutes les émotions, toutes les passions, toutes les pensées de l'humanité furent personnifiées dans les corps nus des hommes et des femmes. Il ne les conçut presque jamais dans l'immobilité ou le repos.
  Michel-Ange devint peintre pour exprimer à travers un matériau plus malléable ce qui animait sa nature titanesque, ce que son imagination de sculpteur voyait, mais que la sculpture lui refusait. Ainsi cet admirable sculpteur devint le  réateur des décorations les plus lyriques et les plus épiques jamais vues dans l'histoire de la peinture : les fresques de la chapelle Sixtine au Vatican. La profusion des inventions disséminées sur cette vaste surface est merveilleuse. Ce sont en tout 343 personnages principaux qui sont représentés avec une variété d'expressions prodigieuse, plusieurs de taille colossale, à côté de figures plus secondaires introduites pour leur effet décoratif. Le créateur de ce vaste plan n'avait que trente-quatre ans lorsqu'il s'attela au projet.
  Michel-Ange nous oblige à élargir notre conception du beau. Pour les Grecs, le critère était la beauté physique, mais Michel-Ange, sauf dans quelques exceptions, comme sa peinture d'Adam sur le plafond de la chapelle Sixtine, et ses sculptures de la Pietà, ne prêtait que peu d'attention à la beauté. Bien que maîtrisant parfaitement l'anatomie et les lois de la composition, il osait les ignorer toutes deux, si nécessaire, afin de suivre son idée : exagérer les muscles de ses personnages, et même les placer dans des positions inappropriées au corps humain. Dans son ultime fresque, celle du Jugement dernier sur le mur de l'autel de la chapelle, il laissa se déverser le torrent de son âme. Qu'étaient les règles en comparaison d'une souffrance intérieure qui devait s'épancher ? C'est à juste titre que les Italiens de son temps parlaient de la terribilità de son style. Michel-Ange fut le premier à donner à la forme humaine la possibilité d'exprimer toute une variété d'émotions psychiques. Dans ses mains, elle devint un instrument duquel il jouait, comme un musicien sur son orgue, en tirant des thèmes et des harmonies d'une diversité infinie. Ses personnages transportent notre imagination bien au-delà de la signification personnelle des noms qui leur sont attachés.

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  Eugène Delacroix

  Natalia Brodskaya

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  Ferdinand Victor Eugène Delacroix (Saint-Maurice, 1798 – Paris, 1863)
  Delacroix fut l'un des plus grands coloristes du XIXe siècle. La couleur était pour lui un moyen d'expression déterminant, qui avait la préséance sur la forme et les détails. Il parlait à l'oeil, moins à la raison. Il se nourrissait des oeuvres des coloristes du Louvre, en particulier de Rubens. Spirituellement, Delacroix s'inscrivait au coeur du mouvement romantique qui s'était répandu en Europe, se nourrissant de Goethe, Scott, Byron et Victor Hugo. Sa propre nature romantique s'enflammait au contact des leurs ; il était possédé par leurs âmes et devint le premier peintre romantique. Il tira nombre de ses sujets de ses poètes préférés, non pour les transposer dans des illustrations littérales, mais pour faire s'exprimer à travers son propre langage pictural les émotions les plus vives du coeur humain.
  Par ailleurs, c'est généralement dans les rapports entre plusieurs personnages, en d'autres termes dans le drame, que Delacroix trouvait l'expression naturelle et saisissante de ses idées. Son oeuvre n'est qu'un immense poème polymorphe, à la fois lyrique et dramatique, sur les passions violentes et meurtrières, qui fascinent, dominent et déchirent l'humanité. Dans l'élaboration et l'exécution des pages de ce poème, Delacroix ne renonce à aucune de ses facultés d'homme ou d'artiste, dont la vaste intelligence rejoint les pensées des plus grands de l'histoire, des légendes et de la poésie. Au contraire, il se sert de son imagination fiévreuse, toujours sous le contrôle d'un raisonnement lucide et du sang froid, de son dessin
  expressif et vivant, de ses couleurs fortes et subtiles, parfois dans une harmonie âpre, parfois éclipsées par cette note «sulfureuse » déjà observée par ses contemporains, pour produire une atmosphère d'orage, de supplication et d'angoisse. La passion, le mouvement et le drame ne doivent pas forcément engendrer le désordre. Avec Delacroix comme avec Rubens, il plane au-dessus de ses représentations les plus tristes, au-dessus du tumulte, des horreurs et des massacres, une espèce de sérénité qui est le signe de l'art et la marque d'un grand esprit.

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