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  Ernst Ludwig Kirchner et œuvres...

  Klaus Carl

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  Ernst Ludwig Kirchner (Aschaffenburg, 1880 – Frauenkirch, 1938)
  «Leader » autoproclamé du groupe d’artistes die Brücke (Pont), fondé à Dresde en 1905, Ernst Ludwig Kirchner, joua un rôle central dans les premiers développements de l’expressionnisme allemand (fig.186). Ses premières oeuvres révèlent l’influence de l’Impressionnisme, du postimpressionnisme et du Jugendstil, mais dès 1909, Kirchner peignait d’une manière distinctive et expressive grâce à un coup de pinceau audacieux, mais détendu, des couleurs vives et non naturalistes, et des gestes intenses. Il travaillait dans son atelier à partir d’esquisses réalisées très rapidement, souvent à partir de figures mouvantes, de scènes inspirées de la vie en ville ou des excursions du Brücke à la campagne.
  Un peu plus tard, il commença à réaliser des sculptures grossièrement taillées dans des blocs de bois. A peu près au moment où il s’installa à Berlin, en 1912, le style de Kirchner, aussi bien de sa peinture que de son oeuvre graphique prolifique, devint plus anguleux, caractérisé par des lignes déchiquetées, des formes élancées et atténuées, et, souvent, un plus grand sentiment de nervosité. Ces traits se retrouvent dans leur expression la plus forte dans ses scènes de rue berlinoises (évoquées dans le chapitre «La Métropole et la Modernité »). Avec le déclenchement de la Première Guerre mondiale, Kirchner devint physiquement faible et enclin à l’anxiété. Conscrit, il fut profondément traumatisé par sa brève expérience de l’entraînement militaire pendant le conflit. De 1917 jusqu’à sa mort par suicide en 1938, il vécut une existence de reclus, bien qu’artistiquement productive, dans la tranquillité des Alpes suisses, près de Davos.

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  Journal de guerre écologique

  Hugo Clément

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  « Nous savons que l'Humanité fait face au plus grand défi de son histoire. Nous savons que les écosystèmes dont nous dépendons menacent de s'écrouler. Nous savons qu'il y a urgence. Le doute n'est plus d'actualité.Chaque jour, au coin de la rue ou à l'autre bout de la planète, un nouveau front s'ouvre. Partout, des femmes et des hommes ont décidé de se lever pour sauver ce qui peut encore l'être, ou pour poser les bases d'un nouveau monde. Qu'ils soient scientifiques, activistes, militaires, ou lanceurs d'alerte, ils mettent toutes leurs forces dans la bataille.Leur victoire sera la nôtre, leur défaite aussi. Allons renforcer leurs rangs. Unissons-nous pour faire basculer la balance du bon côté. Ensemble, nous pouvons remporter cette nouvelle guerre mondiale. »Auprès de celles et ceux qui s'engagent sur le front de l'environnement, Hugo Clément dessine une carte stratégique des actions à mener. La Terre restera-t-elle une planète habitable pour notre espèce ? Tel est l'enjeu de notre dernier combat.

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  Johannes Vermeer

  Jp. A. Calosse

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  Johannes Vermeer (Delft, 1632 – 1675)
  Vermeer est le seul peintre correspondant à l'idée que l'on se fait habituellement de la placidité hollandaise. Peutêtre incarne-t-il un genre héroïque de placidité, car aucune de ses peintures ne laisse percer le moindre souffle d'inquiétude. Partout, nous avons l'impression que son coup de pinceau n'est qu'un lent effleurement, d'une assurance consommée, et qu'un reflet dans une bouteille, un rideau sur un mur, ou la texture d'un tapis ou d'une robe, l'intéressaient autant que les visages des hommes et des femmes. Ici, aucune virtuosité apparente, aucune
  prouesse du pinceau, rien de superflu, pourtant tout est là pour atteindre la perfection et le maximum d'effets exprimables par la simple rigueur : rigueur de la composition, du dessin, de la coloration, qui, par sa gamme de tons clairs et plutôt froids, sous une lumière argentée, fut une création rare et originale. Contrairement à ses prédécesseurs, il utilisa une camera scura afin de rendre la perspective avec le plus de soin possible. Il révolutionna la façon de faire et d'utiliser la peinture. Sa technique d'application des couleurs préfigurait certaines méthodes employées par les impressionnistes presque deux siècles plus tard.

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  L'art de l'Égypte ancienne...

  Victoria Charles, Élie Faure

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  L'art égyptien est peut-être le plus impersonnel qui soit. L'artiste s'efface. Mais il a un sens inné de la vie, un sens si directement ému et si limpide que tout ce qu'il décrit de la vie semble défini par ce sens, issu du geste naturel, de l'attitude exacte, où l'on ne voit plus de raideur. Son impersonnalité ressemble à celle des arbres qui s'inclinent dans le vent d'un seul mouvement et sans résistance, ou à celle de l'eau qui se ride en cercles égaux allant tous dans le même sens. De loin, l'art égyptien semble immuable et éternel comme lui-même. De près, il offre, comme celui de tous les autres peuples, le spectacle de grandes évolutions, de progrès vers la liberté d'expression, de recherches dans le hiératisme imposé. L'Egypte est si loin de nous que tout semble sur le même plan. On oublie qu'il y a quinze ou vingt siècles, l'âge du christianisme, entre le "Scribe assis" et la grande période classique, vingt-cinq ou trente siècles, cinquante peut-être - le double du temps qui nous sépare de Périclès et de Phidias - entre les pyramides et l'école saïte, dernière manifestation vivante de l'idéal égyptien. L'Egypte est morte de son besoin d'éternité.

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  Éloge de la main

  Victoria Charles, Henri Focilon

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  Parler d’art, c’est évoquer entre les lignes la main du créateur qui produit l’œuvre. C’est conférer au geste l’importance de la pensée et explorer leur lieu de rencontre sur la toile ou dans la pierre. Avec ce texte, Henri Focillon livre l’un des plus beaux éloges de la main et du talent des artistes, évoquant Hokusai, Cézanne ou encore Rodin. Que peuvent bien avoir en commun des artistes comme Rembrandt, David, Gauguin ou Hokusai ? La virtuosité de la main, nous répond Henri Focillon. Derrière les œuvres, le spectateur oublie souvent qu’il y a d’abord une main et des doigts qui guident le pinceau, la plume ou la pointe d’argent. Le texte de Focillon rappelle l’importance de ce membre dans lequel le talent de l’artiste est contenu. À travers ses lignes, il octroie à la main la place qu’elle mérite et érige le geste en monument artistique.

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  L'art de la Bague de Cigare

  Philippe Mesmer

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  La bague orne les cigares depuis plus de cent cinquante ans. Elle fut, jusqu’à la Première Guerre Mondiale, réalisée en lithographie polychrome. Les modèles, imprimés pendant cette période, apparaissent comme de véritables oeuvres d’art. Ils représentent des thèmes variés, comme la flore ou l’héraldique, ainsi que des portraits de personnalités historiques. Cet ouvrage présente près de mille huit cents modèles de la collection Van Keeth. Ils comptent parmi les plus beaux, les plus rares et les plus anciens. Ils donnent à ce livre un caractère exceptionnel et savoureux comme peut l’être le plaisir d’un bon Havane.

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