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  Au-delà des tournesols, iris ou portrait du docteur Gachet, se cache Van Gogh, l'homme caractérisé par sa fragilité et son talent. De sa naissance en 1853 à sa mort en 1890, Van Gogh a marqué l'histoire de la peinture, notamment post-impressionniste, par sa créativité et sa technique. Précurseur des expressionnistes, fauves et de l'art moderne en général, il demeure de nos jours le symbole du peintre torturé par la maladie, par son entourage mais surtout par lui-même. 
  Explorez le Post-Impressionnisme avec cette magnifique compilation de peintures par cet artiste de génie. Les couleurs vibrantes et les coups de brosse appuyés sont les témoignages de la nature instable de l'esprit de Van Gogh.

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  Ferdinand Victor Eugène Delacroix (Saint-Maurice, 1798 – Paris, 1863)
  Delacroix fut l'un des plus grands coloristes du XIXe siècle. La couleur était pour lui un moyen d'expression déterminant, qui avait la préséance sur la forme et les détails. Il parlait à l'oeil, moins à la raison. Il se nourrissait des oeuvres des coloristes du Louvre, en particulier de Rubens. Spirituellement, Delacroix s'inscrivait au coeur du mouvement romantique qui s'était répandu en Europe, se nourrissant de Goethe, Scott, Byron et Victor Hugo. Sa propre nature romantique s'enflammait au contact des leurs ; il était possédé par leurs âmes et devint le premier peintre romantique. Il tira nombre de ses sujets de ses poètes préférés, non pour les transposer dans des illustrations littérales, mais pour faire s'exprimer à travers son propre langage pictural les émotions les plus vives du coeur humain.
  Par ailleurs, c'est généralement dans les rapports entre plusieurs personnages, en d'autres termes dans le drame, que Delacroix trouvait l'expression naturelle et saisissante de ses idées. Son oeuvre n'est qu'un immense poème polymorphe, à la fois lyrique et dramatique, sur les passions violentes et meurtrières, qui fascinent, dominent et déchirent l'humanité. Dans l'élaboration et l'exécution des pages de ce poème, Delacroix ne renonce à aucune de ses facultés d'homme ou d'artiste, dont la vaste intelligence rejoint les pensées des plus grands de l'histoire, des légendes et de la poésie. Au contraire, il se sert de son imagination fiévreuse, toujours sous le contrôle d'un raisonnement lucide et du sang froid, de son dessin
  expressif et vivant, de ses couleurs fortes et subtiles, parfois dans une harmonie âpre, parfois éclipsées par cette note «sulfureuse » déjà observée par ses contemporains, pour produire une atmosphère d'orage, de supplication et d'angoisse. La passion, le mouvement et le drame ne doivent pas forcément engendrer le désordre. Avec Delacroix comme avec Rubens, il plane au-dessus de ses représentations les plus tristes, au-dessus du tumulte, des horreurs et des massacres, une espèce de sérénité qui est le signe de l'art et la marque d'un grand esprit.

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  Andy Warhol (Pittsburgh, 1928 – New York, 1987) Andy Warhol est indubitablement l’artiste qui a mis en évidence le frémissement de la culture moderne, en inaugurant tout un éventail de techniques, principalement à travers l’isolation de l’image, sa répétition et une accentuation de sa ressemblance avec des images imprimées, et par l’emploi de couleurs criardes traduisant la violence visuelle si commune à la culture de masse. Andy Warhol jeta souvent une lumière directe ou indirecte sur le dégoût du monde, le nihilisme, le matérialisme, la manipulation politique, l’exploitation économique, la consommation ostentatoire, l’adoration des héros médiatiques et la fabrication artificielle de besoins et d’aspirations. En outre, ses meilleures peintures et sérigraphies prouvent qu’il était un brillant créateur d’images, doté d’un extraordinaire sens de la couleur et du génie du rythme visuel d’un tableau, issus de sa profonde compréhension du potentiel pictural inhérent aux formes. De prime abord, les images de Warhol peuvent sembler assez simples. Et pourtant, précisément à cause de cette simplicité, elles ont non seulement un impact visuel immédiat très fort, mais possèdent aussi le rare pouvoir de véhiculer un sens grâce aux associations mentales qu’elles déclenchent. Par exemple, la répétition que Warhol employa dans un grand nombre de ses tableaux était conçue pour imiter la colossale reproduction d’images utilisée dans la culture de masse pour vendre des biens et des services, y compris à travers des vecteurs de communication comme les films et les programmes TV. Et précisément, en intégrant dans ses images les techniques mêmes de la production de masse, Warhol reflétait directement les us et abus les plus importants de la culture en accentuant, jusqu’à l’absurdité, le détachement complet de toute implication émotionnelle qu’il constatait partout autour de lui. En outre, tout en faisant partie du mouvement du Pop Art qui utilisait une imagerie inspirée de la culture populaire pour offrir une critique de la société contemporaine, Warhol poussa plus loin les assauts contre l’art et les valeurs bourgeoises, inaugurés par les dadaïstes en leur temps. Enfin, c’est sa critique incisive de la culture et la vivacité avec laquelle il l’exerçait, qui assureront une pertinence durable à ses oeuvres, longtemps après que les objets spécifiques qu’il représenta (les boîtes de soupe Campbell) seront devenus obsolètes ou que les personnages éminents qu’il dépeignit (Elvis Presley) se seront simplement mués en superstars d’hier.

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  Le Romantisme

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  Véritable réaction au Néo-classicisme envahissant le XIXe siècle, le Romantisme marqua une réelle fracture intellectuelle. Rencontré dans les textes de Victor Hugo ou de Lord Byron, ce courant s’exprima en peinture chez Eugène Delacroix, Caspar David Friedrich ou William Blake. En sculpture, François Rude montra le chemin de cette nouvelle liberté artistique, dotant ses réalisations de mouvements et d’expressions qui étaient jusque-là inconnus.
  Retraçant les différentes étapes de son évolution, ce livre propose d’étudier les différents aspects du mouvement romantique. Le lecteur, grâce à une analyse complète et approfondie, pourra appréhender, dans sa globalité, l’importance de ce courant qui révolutionna toute une époque.

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  Chagall

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  Marc Chagall (Vitebsk, 1887 – Saint-Paul-de-Vence, 1985)
  Chagall est né dans une famille juive de stricte obédience pour laquelle l’interdit de représentation de la figure humaine avait valeur
  de dogme. Après un échec à l’examen d’entrée à l’école des Arts et Métiers du baron Stieglitz, Chagall intègre plus tard celle fondée par
  la Société impériale d’encouragement des Beaux-Arts dirigée par Nicolas Roerich.
  En 1910, il s’installe à Paris qui sera son «second Vitebsk ». Chagall retrouve à la Ruche de nombreux compatriotes attirés, eux aussi, par le prestige de Paris. Lipchitz, Zadkine, Archipenko, Soutine qui maintiendront, autour du jeune peintre, le parfum de sa terre natale. Les auteurs des premières études sur Chagall relevaient déjà que Paris avait influencé sa manière picturale, avait apporté une nervosité
  frêle et une netteté aux lignes qui répondent avec assurance et justesse à la couleur et pour beaucoup, la commandent. L’observateur le plus attentif, le plus passionné, se révèle parfois incapable de distinguer le Chagall «de Paris » du Chagall «de Vitebsk ».
  L’artiste n’est pas contradictoire ni «dédoublé », mais il demeurait constamment ouverts, regardant en lui et autour de lui, considérant le
  monde environnant, les idées de son époque, les souvenirs du passé. Chagall est doué d’une sorte «d’immunité stylistique », il
  s’enrichit sans rien détruire de sa propre structure. Il s’enthousiasme, apprend en toute ingénuité, se défait de la maladresse juvénile, mais sans perdre son «authenticité ». Parfois, c’est comme s’il regardait le monde à travers le prisme magique de l’école de Paris.
  Alors il engage un jeu tout en finesse et en sérieux avec les découvertes du tournant du siècle, alors l’adolescent se considère, ironique et songeur, dans un miroir où s’unissent tout naturellement les acquis picturaux de Cézanne, la spiritualisation fragile de Modigliani, les rythmes complexes des plans qui rappellent les expériences des premiers cubistes (Autoportrait devant le chevalet, 1914).
  Cependant, au-delà des analyses qui, aujourd’hui, éclairent les sources judéo-russes du peintre, les filiations formelles héritées ou
  empruntées, mais toujours sublimées, une part de mystère demeure dans l’art de Chagall. Ce mystère tient peut-être à la nature même de
  cet art qui puise dans le souvenir.

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