Other books that might interest you

• 

  Appréciation des célèbres...

  Tom Geng

  • 0
  • 0
  • 0

  La peinture chinoise est une forme de peinture sur soie ou papier avec un pinceau trempé dans l'eau, l'encre et la couleur. Il forme son propre système dans le domaine de l'art mondial. Les outils et les matériaux comprennent le pinceau, l'encre, le pigment de peinture chinoise, le papier Xuan, la soie, etc. les thèmes peuvent être divisés en personnages, paysages, fleurs et oiseaux. Avec les fleurs et les oiseaux comme thème, ce livre comprend principalement des peintures célèbres de la pré-dynastie Qin à la dynastie Song.
  
  La peinture chinoise a une forme d'expression artistique unique. En termes de contenu et de création artistique, il reflète la compréhension de l'artiste de la nature, de la société et de la politique, de la philosophie, de la religion, de la morale, de la littérature et de l'art.
  
  La dynastie Song (960-1279) a été divisée en deux étapes: la dynastie des Song du Nord et la dynastie des Song du Sud. La peinture de la dynastie Song est entrée dans les rangs de l'industrie artisanale et du commerce et a établi une relation plus étroite avec plus de gens. Un groupe de peintres professionnels qualifiés ont vendu leurs œuvres comme produits de base sur le marché. Il existe déjà des magasins professionnels vendant des livres et des images. Le marché de la calligraphie et de la peinture a été prospère et développé. Les œuvres de calligraphie et de peinture de cette période ont également les caractéristiques de l'époque.
  
  Avec les fleurs et les oiseaux comme thème, ce livre contient principalement les célèbres peintures de fleurs et d'oiseaux de la dynastie Song. Chacun d'eux est un chef-d'œuvre et se transmet de génération en génération. Cela vaut la peine de regarder et de collectionner.
  
  
  Commentaires des lecteurs
  
  J'aime beaucoup les peintures de la dynastie Song. Leurs peintures sont si belles. Chaque peinture et calligraphie de la dynastie des Song rassemblées dans ce livre mérite d'être regardée attentivement. J'aime beaucoup ce livre.
  ——David
  Je suis très intéressé par la culture chinoise, en particulier la culture de la dynastie Song. Ce livre est très caractéristique. Il comprend les peintures de fleurs et d'oiseaux de la dynastie Song. C'est très professionnel et intéressant.
  ——Steven
  
  Les peintures de ce livre sont si belles. Je n'ai jamais vu de telles peintures. Ils sont vraiment différents.
  
  ——Alexande
  C'est difficile à imaginer. Je ne peux pas y croire. A-t-il vraiment été peint par des gens il y a des milliers d'années? Ce qu'ils ont peint était si beau.
  ——Lucas
  J'aime beaucoup la culture chinoise. Ce livre est très utile pour moi pour comprendre la culture chinoise. Si vous êtes également intéressé par la culture chinoise, je vous suggère également de lire ce livre.
  
  ——Isabella
  Le style de peinture de ce livre est différent de ce que j'ai lu auparavant. Je pense que c'est peut-être une peinture unique en Chine. Ce livre est vraiment une expérience unique pour moi.
  ——Madeline
  Si vous êtes intéressé par la culture orientale, vous devez lire ce livre. La culture orientale ici ne se réfère pas seulement à la Chine. Je pense que le style de peinture de tout l'Orient a été influencé par la Chine. Grâce à ce livre, vous pouvez avoir une meilleure compréhension de toute la culture orientale.
  
  ——Liu Qingdong

  Show book

• 

  Diaghilev & le Monde de l'Art

  Vsevolod Petrov

  • 0
  • 0
  • 0

  Lorsque, il y a près de vingt ans, nous avons fondé le Monde de l'art, nous avions le désir ardent de libérer l'activité artistique russe de la tutelle de la littérature, d'inculquer à la société qui nous entoure l'amour de l'essence même de l'art, et c'est le but que nous poursuivions lorsque nous nous sommes lancés sur le terrain. Nous considérions comme des ennemis tous ceux “qui ne respectent pas l'art en tant que tel”, ceux qui soit attachent des ailes à un vieux canasson, soit attellent Pégase à la charrette des “idéaux sociaux”, soit rejettent carrément l'idée de Pégase. C'est pourquoi nous nous sommes adressés au monde artistique avec le slogan “Talents de toutes directions, unissez-vous !”. C'est ainsi que, dans nos rangs, Vrubel apparaît immédiatement aux côtés de Levitan, Bakst aux côtés de Serov et Somov aux côtés de Maliavin.

  Show book

• 

  L’Office fédéral du sport à Macolin

  Walter Mengisen, Reto Mosimann,...

  • 0
  • 0
  • 0

  Au-dessus du lac de Bienne, le hameau de Macolin fut d’abord un lieu de cure avant de devenir un complexe voué au sport unique en son genre. Une promenade entre l’ancien Grand Hôtel à l’architecture classique jusqu’au lieu-dit de la « Fin du monde » traverse 150 ans d’histoire du sport et de l’architecture. On y découvre les bâtiments construits juste après la fondation de l’École fédérale de sport en 1944, encore influencés par le Landistil, et les célèbres réalisations de Max Schlup, érigées dès les années 1970. Avec ses bâtiments et ses installations harmonieusement intégrés dans le paysage jurassien, le siège de l’Office fédéral du sport OFSPO jouit d’une renommée internationale et offre aujourd’hui des espaces pour la formation, la recherche, et l’entraînement.

  Show book

• 

  Claude Lorrain et œuvres d'art

  Sergei Daniel

  • 0
  • 1
  • 0

  Claude Gellée (Le Lorrain) (Chamagne, 1604 – Rome, 1682)
  Claude Gellée, surnommé Le Lorrain, ne fut ni un grand homme, ni un esprit noble comme Poussin. Toutefois, on ne peut nier son génie et il fut, à l'instar de Poussin, un inventeur profondément original dans les limites imposées par l'idéal classique. Il passa aussi presque toute sa vie à Rome bien que son art ne fût pas spécifiquement italien, mais bien français. En effet, plus de deux siècles plus tard, tous ceux qui, en France, ressentirent le désir de décrire les beautés de la nature, s'inspirèrent du Lorrain et de ses œuvres, qu'il s'agisse de Joseph Vernet au XVIIIe siècle ou de Corot au XIXe. En dehors de France, ce fut la même chose : d'ailleurs, Le Lorrain ne fut nulle part plus admiré qu'en Angleterre. 
  Il reste une part de mystère dans la vocation de cet humble paysan presque illettré. En effet, ses connaissances en français et en italien étaient rudimentaires, et il utilisait, pour faire ses annotations au bas de ses dessins, un étrange sabir franco-italien. Ce mystère est en quelque sorte emblématique de la devise «le mystère dans la lumière », qui allait marquer ses tableaux. Qu'est-ce qui l'attira à Rome et l'y retint ? N'aurait-il pas pu produire ses chefs-d'œuvre à Nancy, Paris ou ailleurs ? Quoiqu'il en soit, c'est dans ses paysages qu'il réunit beauté, poésie et authenticité. Il réalisa parfois des dessins d'après nature tellement exceptionnels que plusieurs d'entre eux ont été attribués à Poussin. Mais c'est dans ses peintures que l'imagination prédomine, et l'on peut même dire qu'elle s'imposa de plus en plus, tandis que Le Lorrain prenait toute la mesure de son génie. Sans recourir à la raison, sans rien perdre de sa poésie instinctive, il comprit en écoutant Poussin et en le regardant faire, qu'une forme d'académisme aurait pu être un atout pour ses propres visions et rêveries.

  Show book

• 

  Le sablier : otage au Sahara...

  Edith Blais

  • 0
  • 0
  • 0

  "Un récit qui nous transporte dans un univers brutal et méconnuEn janvier 2019, les familles d’Edith Blais et de l’Italien Luca Tacchetto lancent un appel à l’aide: les deux voyageurs ont disparu quelque part en Afrique sans laisser de traces. Entre la nouvelle de leur disparition et celle de leur libération, 15 mois s’écouleront pendant lesquels personne ne sait ce qu’il est advenu d’eux. Avec Le sablier, Edith lève le voile sur son histoire et répond aux questions que tous se posent. Qui les a détenus? Dans quelles conditions? Pour quelles raisons? Comment ont-ils survécu? Et dans quelles circonstances ont-ils retrouvé la liberté? Un témoignage de résilience magnifiquement illustré, que vien­nent soutenir des poèmes rédigés en captivité, et dont on ressort à bout de souffle."

  Show book

• 

  Picasso

  Jp. A. Calosse

  • 0
  • 11
  • 0

  Pablo Picasso (Málaga, 1881 – Mougins, 1973)
  Picasso naquit en Espagne et l’on dit même qu’il commença à dessiner avant de savoir parler. Enfant, il fut  nstinctivement attiré par les instruments de l’artiste. Il pouvait passer des heures de joyeuse concentration à dessiner des spirales pourvues d’un sens qu’il était seul à connaître. Fuyant les jeux d’enfants, il traça ses premiers tableaux dans le sable. Cette manière précoce de s’exprimer contenait la promesse d’un rare talent. Nous nous devons de mentionner Málaga, car c’est là, le 25 Octobre 1881, que Pablo Ruiz Picasso naquit et qu’il passa les dix premières années de sa vie. Le père de Picasso était lui-même peintre et professeur à l’école des Beaux-Arts de la ville. Picasso apprit auprès de lui les rudiments de la peinture académique. Puis il poursuivit ses études à l’académie des Arts de Madrid mais n’obtint jamais son diplôme. Picasso, qui n’avait pas encore 18 ans, avait atteint le point culminant de sa rébellion, répudiant l’esthétique anémique de l’académisme et le prosaïsme du réalisme. Tout naturellement, il se joignit à ceux qui se qualifiaient de modernistes, c’est à dire, les artistes et les écrivains non-conformistes, ceux que Sabartés appelait «l’élite de la pensée catalane » et qui se retrouvaient au café des artistes Els Quatre Gats. Durant les années 1899 et 1900, les seuls sujets dignes d’être peints aux yeux de Picasso étaient ceux qui reflétaient la vérité ultime : le caractère éphémère de la vie humaine et l’inéluctabilité de la mort. Ses premières oeuvres, cataloguées sous le nom de «période bleue » (1901-1904), consistent en peintures exécutées dans des teintes bleues, inspirées par un voyage à travers l’Espagne et la mort de son ami Casagemas. Même si Picasso lui-même insistait fréquemment sur la nature intérieure et subjective de la période bleue, sa genèse et, en particulier, ce monochromatisme bleu, furent des années durant, expliqués comme les résultats de diverses influences esthétiques. Entre 1905 et 1907, Picasso entra dans une nouvelle phase, appelée la «période rose » caractérisée par un style plus enjoué, dominé par l’orange et le rose. A Gosal, au cours de l’été 1906, le nu féminin prit une importance considérable pour Picasso – une nudité dépersonnalisée, aborigène, simple, comme le concept de «femme »...

  Show book