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  La méthode de Napoléon Hill -...

  MAX EDITORIAL

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  Si vous êtes à la recherche d'une nouvelle approche pour réussir votre vie, ce livre est fait pour vous.Contrastant avec la méthode de Napoléon Hill dans son livre "Plus malin que le diable", ce guide présente des "critiques" raisonnées et des alternatives efficaces pour atteindre vos objectifs. A la fin de la lecture, vous aurez entre les mains une vision plus claire et plus profonde sur la manière d'atteindre le succès dans votre vie, de façon plus efficace et plus durable. Ne manquez pas l'occasion d'acquérir cet ouvrage et de commencer votre voyage vers le succès d'une manière plus consciente !

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  Picasso

  Jp. A. Calosse

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  Pablo Picasso (Málaga, 1881 – Mougins, 1973)
  Picasso naquit en Espagne et l’on dit même qu’il commença à dessiner avant de savoir parler. Enfant, il fut  nstinctivement attiré par les instruments de l’artiste. Il pouvait passer des heures de joyeuse concentration à dessiner des spirales pourvues d’un sens qu’il était seul à connaître. Fuyant les jeux d’enfants, il traça ses premiers tableaux dans le sable. Cette manière précoce de s’exprimer contenait la promesse d’un rare talent. Nous nous devons de mentionner Málaga, car c’est là, le 25 Octobre 1881, que Pablo Ruiz Picasso naquit et qu’il passa les dix premières années de sa vie. Le père de Picasso était lui-même peintre et professeur à l’école des Beaux-Arts de la ville. Picasso apprit auprès de lui les rudiments de la peinture académique. Puis il poursuivit ses études à l’académie des Arts de Madrid mais n’obtint jamais son diplôme. Picasso, qui n’avait pas encore 18 ans, avait atteint le point culminant de sa rébellion, répudiant l’esthétique anémique de l’académisme et le prosaïsme du réalisme. Tout naturellement, il se joignit à ceux qui se qualifiaient de modernistes, c’est à dire, les artistes et les écrivains non-conformistes, ceux que Sabartés appelait «l’élite de la pensée catalane » et qui se retrouvaient au café des artistes Els Quatre Gats. Durant les années 1899 et 1900, les seuls sujets dignes d’être peints aux yeux de Picasso étaient ceux qui reflétaient la vérité ultime : le caractère éphémère de la vie humaine et l’inéluctabilité de la mort. Ses premières oeuvres, cataloguées sous le nom de «période bleue » (1901-1904), consistent en peintures exécutées dans des teintes bleues, inspirées par un voyage à travers l’Espagne et la mort de son ami Casagemas. Même si Picasso lui-même insistait fréquemment sur la nature intérieure et subjective de la période bleue, sa genèse et, en particulier, ce monochromatisme bleu, furent des années durant, expliqués comme les résultats de diverses influences esthétiques. Entre 1905 et 1907, Picasso entra dans une nouvelle phase, appelée la «période rose » caractérisée par un style plus enjoué, dominé par l’orange et le rose. A Gosal, au cours de l’été 1906, le nu féminin prit une importance considérable pour Picasso – une nudité dépersonnalisée, aborigène, simple, comme le concept de «femme »...

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  1000 Aquarelles de Génie

  Victoria Charles

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  Mélange d’eau et de pigments permettant une grande liberté de facture, l’aquarelle sert souvent aux esquisses préparatoires. Albrecht Dürer est l’un des premiers à l’utiliser. Au XVIIIe siècle, les artistes anglais en font un médium autonome libéré des contraintes académiques. Cette évolution aura un impact considérable pour les générations suivantes. Parmi les artistes les plus célèbres ayant produit des aquarelles, on peut citer Turner, Whistler, Constable, Sargent, Van Gogh, Kandinsky, Klee, ou encore Schiele.

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  Frida Kahlo & Diego Rivera

  Gerry Souter

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  Leur rencontre eut lieu en 1928, Frida Kalho avait vingt-et-un ans et Diego Rivera le double. Lui était déjà une référence internationale, elle n’aspirait qu’à l’être. De leur union tumultueuse naquit certes une création artistique intense, en particulier pour Frida, mais aussi de la souffrance. Toujours dans l’ombre de son époux, supportant ses infidélités, la jalousie, Frida exorcise sa douleur sur la toile et gagne peu à peu l’intérêt du public. Sur les deux continents, les Amériques et l’Europe, ces artistes engagés proclameront leur liberté et laisseront derrière eux des traces de leur immense talent. Dans ce coffret, Gerry Souter réunit les biographies de l’un et de l’autre, et souligne avec passion le lien ténu qui existait entre les deux plus grands artistes mexicains du XXe siècle.

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  Mary Cassatt et œuvres d'art

  Natalia Brodskaya

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  Mary Cassatt (Pittsburg, 1844, – Château de Beaufresne, 1926)
  Mary est née à Pittsburgh. Son père était un banquier très libéral en matière d'éducation, et toute la famille semblait manifester une certaine sympathie pour la culture française.
  Mary n'avait pas plus de cinq ou six ans lorsqu'elle vit Paris pour la première fois, et elle était encore adolescente quand elle décida de devenir peintre. Elle se rendit en Italie, puis
  tourna ses pas vers Anvers, pour retourner à Rome et finalement, revenir à Paris, où, en 1874, elle s'installa définitivement.
  En 1872, elle envoya ses premières oeuvres au Salon ; d'autres suivirent jusqu'en 1875, année où elle envoya un portrait de sa soeur, qui fut refusé. Elle devina que le jury n'avait pas aimé l'arrière-plan, c'est pourquoi elle le retravailla à maintes reprises pour le renvoyer au Salon de l'année suivante, où il fut finalement accepté. A ce moment-là, Degas lui demanda d'exposer avec lui et ses amis du groupe des impressionnistes, dont la popularité allait croissant, et elle accepta avec joie. Elle admirait Manet, Courbet, et Degas, et détestait l'art conventionnel. Son biographe insiste sur son intellectualité et ses sentiments, sur les émotions et les nuances avec lesquelles elle peignait ses modèle préférés : les bébés et leurs mères. Il parle aussi de son intérêt particulier pour le dessin et sa maîtrise du trait, un don renforcé par son étude approfondie de l'art japonais, imitant son style dans des gravures en couleur. Si son style puise à diverses sources, en revanche son dessin, ses compositions, sa lumière et ses couleurs, sont les siennes. Ses toiles possèdent une certaine délicatesse dont peut-être seule une femme est capable, mais les qualités qui ont inscrit son oeuvre dans la postérité, sont, elles, d'une nature que seul un peintre extraordinaire peut produire.

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  Les Primitifs Italien

  Joseph Archer Crowe, Giovanni...

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  Oscillant entre la majesté artificielle des icônes byzantines et la profondeur naturaliste initiée par Giotto, l’art des primitifs italiens incarne les premiers pas vers l’art de la Renaissance.
  S’essayant à d’autres supports, ces premiers artistes délaissèrent peu à peu la fresque pour les panneaux de bois amovibles. Si le hiératisme des visages peut choquer nos yeux néophytes, à l’époque, cette distanciation soulignait la divinité des personnages représentés. Cette sacralité était renforcée par les fonds illuminés à la feuille d’or. L’élégance de la ligne et le choix des couleurs les plus denses concouraient également à rendre perceptible l'invisible.
  Ce livre s’attache à souligner l’importance capitale que joua l’humanisation du sacré, ouvrant une porte discrète mais définitive vers l’humanisme cher à la Renaissance.

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