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  La Peinture Russe

  Peter Leek

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  Pendant des siècles, la Russie est restée orpheline de grands peintres,
  concentrant le génie créatif sur la formalisation des icônes avec, par
  exemple, Rublev. Avec l’avènement de Pierre le Grand, c’est l’Europe des
  Lumières qui envahit cet empire réputé peu civilisé. Saint-Pétersbourg,
  émergeant des marais comme par miracle et grâce au génie d’un
  architecte italien, est pendant plus d’un siècle un centre important de
  culture et de rencontre. Le tsar, tout puissant, et plus tard la Grande
  Catherine permettront des échanges entre les artistes russes et européens.
  De cette rencontre naîtra une peinture russe, souvent inspirée par l’Italie
  et ses couleurs, et mêlée aux traditions de l’âme russe.
  Il faudra attendre le XIXe siècle pour qu’émerge une véritable
  peinture nationale avec les Ambulants et les peintres de la Rose bleue.
  Puis viendra la période des révolutions, qui conduira à l’avant-garde
  russe et au modernisme. Tout au long de ce livre, l’auteur s’interroge sur
  la culture russe qui, selon lui, est la résultante d’éléments provenant aussi
  bien de l’Est que de l’Ouest. Ces deux influences sont ainsi mises en
  évidence dans les peintures et illustrations qui, couvrant tous les genres
  et tous les styles, prouvent alors une étonnante variété picturale. Des
  artistes comme Borovikovski, Serov, Vroubel, Brioullov, Fedotov,
  Répine, Chichkine et Lévitan, parmi tant d’autres, apportent ainsi leur
  fondamentale contribution à l’histoire de l’art universel. Après la chute
  du communisme, Peter Leek remet en perspective l’évolution
  constitutive de l’histoire de la peinture russe.

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  Mary Cassatt et œuvres d'art

  Natalia Brodskaya

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  Mary Cassatt (Pittsburg, 1844, – Château de Beaufresne, 1926)
  Mary est née à Pittsburgh. Son père était un banquier très libéral en matière d'éducation, et toute la famille semblait manifester une certaine sympathie pour la culture française.
  Mary n'avait pas plus de cinq ou six ans lorsqu'elle vit Paris pour la première fois, et elle était encore adolescente quand elle décida de devenir peintre. Elle se rendit en Italie, puis
  tourna ses pas vers Anvers, pour retourner à Rome et finalement, revenir à Paris, où, en 1874, elle s'installa définitivement.
  En 1872, elle envoya ses premières oeuvres au Salon ; d'autres suivirent jusqu'en 1875, année où elle envoya un portrait de sa soeur, qui fut refusé. Elle devina que le jury n'avait pas aimé l'arrière-plan, c'est pourquoi elle le retravailla à maintes reprises pour le renvoyer au Salon de l'année suivante, où il fut finalement accepté. A ce moment-là, Degas lui demanda d'exposer avec lui et ses amis du groupe des impressionnistes, dont la popularité allait croissant, et elle accepta avec joie. Elle admirait Manet, Courbet, et Degas, et détestait l'art conventionnel. Son biographe insiste sur son intellectualité et ses sentiments, sur les émotions et les nuances avec lesquelles elle peignait ses modèle préférés : les bébés et leurs mères. Il parle aussi de son intérêt particulier pour le dessin et sa maîtrise du trait, un don renforcé par son étude approfondie de l'art japonais, imitant son style dans des gravures en couleur. Si son style puise à diverses sources, en revanche son dessin, ses compositions, sa lumière et ses couleurs, sont les siennes. Ses toiles possèdent une certaine délicatesse dont peut-être seule une femme est capable, mais les qualités qui ont inscrit son oeuvre dans la postérité, sont, elles, d'une nature que seul un peintre extraordinaire peut produire.

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  Poétique de Aristote - De l'art...

  Aristote

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  La Poétique est un ouvrage d’Aristote portant sur l’art poétique et plus particulièrement sur les notions de tragédie, d’épopée et d’imitation. Probablement rédigé autour de 335 av. J-C, il a influencé la réflexion occidentale sur l’art pendant des siècles et suscité de nombreux débats. Plusieurs allusions au fil du texte suggèrent que la Poétique est incomplète, plusieurs études, notamment sur la comédie, auraient été perdues. 
  C’est ici qu’Aristote donne sa célèbre définition de l’art comme imitation. 
  Les différents arts se distinguent les uns des autres par ce caractère essentiel : soit ils imitent différemment, soit ils imitent des choses différentes. 
  La Poétique est l’ouvrage qui fonde la réflexion sur la poésie et la création littéraire de la civilisation occidentale, de Racine à Nietzsche, tous les grands créateurs, tous les grands théoriciens l’ont lue et méditée. Ses analyses sur la tragédie et la représentation en art gardent toute leur pertinence et leur actualité, et nourrissent encore la création contemporaine. 
   
  Aristote (384-322 av. J-C) est un philosophe grec de l’Antiquité. Il est avec Platon, dont il a été le disciple à l’Académie, l’un des penseurs les plus influents que le monde occidental ait connu. Il est aussi l’un des rares à avoir abordé presque tous les domaines de connaissance de son temps : biologie, physique, métaphysique, logique, poétique, politique, rhétorique, éthique et parfois même l’économie. Chez Aristote, la philosophie, à l’origine « amour de la sagesse », est comprise dans un sens plus large comme recherche du savoir pour lui-même, interrogation sur le monde et science des sciences.

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  Les Roses

  Pierre-Joseph Redouté, Claude...

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  Agathe royale, duchesse d'Orléans, églantine de la reine Elisabeth, ou rosier blanc royal, la rose, reine des fleurs, fascine, étonne et ennivre. Dessinées par Pierre-Joseph Redouté, ces fleurs délicates sont des modèles admirables de grâce et de fragilité, qui élèvent le dessin botanique à la hauteur d'œuvre d'art inestimable.

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  Velázquez

  Klaus Carl

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  Diego Velázquez (Séville, 1599 – Madrid, 1660)
  Diego Velázquez était un artiste anticonformiste de l'ère baroque. A l'âge de vingt-quatre ans, Velázquez fit son premier voyage à Madrid avec son professeur, Francisco Pacheco, rencontré à Séville.
  Rapidement, il se qualifia comme maître peintre. Le roi Philippe IV remarqua son génie et le nomma peintre de cour en 1627. Peu après, l'artiste se lia d'amitié avec Rubens à Madrid. Il développa une approche plus réaliste de l'art religieux, où les personnages sont représentés de façon naturaliste et non pas idéalisée. Son usage du clair-obscur rappelle les oeuvres du Caravage. Il fit au moins deux voyages à Rome pour acheter de l'art Renaissance et néo-classique pour le roi. A Rome, il adhéra à l'Académie de Saint-Luc en 1650, et fut élu chevalier de l'ordre de Santiago en 1658. Son imposante oeuvre de commande, La Reddition de Breda (vers 1634), montrait la défaite des Hollandais devant les Espagnols, et célébrait le triomphe militaire du règne de Philippe. L'artiste peignit le Pape Innocent X (1650) au cours de son second séjour à Rome, rappelant des oeuvres similaires de Raphaël et de Titien. Ses dernières oeuvres étaient plus spontanées, mais toujours disciplinées. Le point culminant de sa carrière fut le chef-d'oeuvre intitulé Les Ménines (1656), l'un des plus complexes portraits de groupe de l'histoire.
  Velázquez est reconnu comme le plus grand peintre espagnol de son siècle. Il influença des peintres majeurs comme Goya et Manet.

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  James McNeill Whistler

  Patrick Chaleyssin

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  Whistler (Lowell, 1834 – Londres 1903)
  Whistler surgit à un moment crucial de l'histoire de l'art et il joue un rôle de précurseur. Il a, comme les Impressionnistes, la volonté d'imposer ses idées. Son oeuvre se déroule en quatre périodes. Dans une première période de recherche, l'artiste est influencé par le réalisme de Courbet et par le japonisme. Puis Whistler trouve son originalité
  avec les Nocturnes et la série des Cremorne Gardens en s'opposant à l'académisme qui veut qu'une oeuvre d'art raconte une histoire. Lorsqu'il peint le portrait de sa mère, Whistler l'intitule Arrangement en gris et noir (p.31), ce qui est significatif de ses théories esthétiques. S'il dépeint les jardins de plaisir de Cremorne, ce n'est pas pour y figurer, comme Renoir, des personnages identifiables, mais pour saisir une atmosphère. Il aime les brumes des bords de la Tamise, les lumières blafardes, les cheminées d'usine. C'est la période au cours de laquelle il fera figure de précurseur et d'aventurier de l'art ; au bord de l'abstraction, il choque ses contemporains. La troisième période est surtout dominée par ses portraits en pied : c'est elle qui lui apportera la gloire. Mais il saura insuffler à un genre pourtant classique sa profonde originalité. Il restitue les personnes dans leur environnement : cela donne une étrange présence aux modèles. Il crée des portraits qualifiés de médiums par ses contemporains et dont Oscar Wilde s'inspirera pour écrire son Portrait de Dorian Gray. Enfin, vers la fin de sa vie, l'artiste réalise des paysages et des portraits dans la grande tradition, très influencé par Velazquez. Whistler fera preuve d'une impressionnante rigueur en faisant sans cesse coïncider son oeuvre avec ses théories. Il n'hésitera pas à croiser le fer avec les théoriciens de l'art les plus célèbres.
  Sa personnalité, ses foucades, son élégance, en font un sujet idéal de curiosité et d'admiration. Ami proche de Mallarmé, admiré par Marcel Proust, dandy provocateur, mondain ombrageux, artiste exigeant, il fut un novateur audacieux.

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